«Все добре, але роздягли їх навіщо?»
Опубликованно 15.04.2018 05:33
Навіть дивно про це в нинішніх умовах говорити: російський театральний фестиваль NET (Новий Європейський Театр) пройшов у Москві в 19-й раз. Пройшов благополучно — тобто поки що нікого не заарештували. Фестиваль заснований у 1998 році і весь цей час займався переважно тим, що знаходив гроші, щоб показати столичній публіці чудеса закордонного сучасного театру. В останні роки завдання стало важче: міністерство культури самоусунулася від фінансування фестивалю в 2015 році, щоб не дай бог демократичні куратори не привезли на народні гроші в Москву голих європейських мужиків. Однак приватна і околочастная ініціатива в культурі рятує положення, і в цьому році фестиваль з допомогою, зокрема, Фонду Михайла Прохорова привіз в Росію все, що належить, в тому числі і голих мужиків з Греції.Приборкання норовливих
Всі вистави і театральні проекти NET цього року можна умовно розділити на спектакулярные і нон-спектакулярные. Перші прямо звертаються до театральної мови в його видовищною іпостасі, другі працюють з текстом, мовою, музикою та іншими шарами театрального процесу. Вистав з першої категорії на фестивалі було всього два — «Проект незвичайних погодних явищ» швейцарця Тома Луца, і хедлайнер фестивалю, вистава «Великий приборкувач» грецького режисера Дімітріса Папаіоанну.
Є досить вульгарна формула «красиво, як у сні» — якщо вона до чогось всерйоз і застосовна, так це до вистави 35-річного Тома Луца. Режисер взяв за основу своєї роботи книгу американського фізика Вільяма Роджера Корлісса «Керівництво з незвичайним погодних явищ», написану в 1974 році. У цій книзі вчений задався метою каталогізувати за документальними джерелами самі незвичайні природні явища, коли-небудь відбувалися на землі.
Книгу, напрашивающуюся в жанр «театру художника», Луц розбирає засобами музичного театру. Перформери в цьому спектаклі — одночасно і формальні функції візуального мови, і виконавці партій на музичних інструментах, зроблені музруководителем постановки Матіасом Вейбелем, постійним колегою Луца.
Вистава дійсно дуже схожий на сновидіння: своєю спокійною заворожливої красою і великими, ясними формами, які в ньому використовуються, — щільний світло, дим, величезні білі кулі. Досить тут і винахідливості, зв'язує роботу з сучасною академічною музикою: наприклад, кулі, наповнені гелієм, на магнітних стрічках надіваються на бобіни магнітофона і кінетичної силою прокручують стрічки, відтворюючи звуки, на них записані. Все це здобрюється хоч і конвенціональним, але якісним гумором — наприклад, раптово з'являються персонажем в рицарських латах, яким надається блондинка, не розуміє, як сюди потрапила, а потім починає співати оперну арію. В цілому це створює важливе відчуття дива і незвичності, якого російському театру у його поточному вигляді дуже бракує.
Постановку грецького режисера, художника, перформера і хореографа Дімітріса Папаіоанну «Великий приборкувач» вперше показали в травні цього року в Афінах. Вже в липні спектакль став одним з найважливіших подій Авіньйонського фестивалю, а в грудні свіжу прем'єру довезли до Росії, зробивши, на жаль, лише один показ.
Папаіоанну займається фізичною театром на стику з «театром художника»; головним у його виставах завжди є людина, проте в своєму фізичному вимірі, а не психічному. Основним методом цього режисера можна назвати ілюзію, причому не тривіально-ремісничому сенсі, а в художньому. Він не намагається приховувати «шви» візуальних трюків, а, навпаки, як би пред'являє їх глядачам. Його улюбленим мотивом є разъятие людини на частини; у «Великому укротителе», так само як і в попередніх його виставах Nowhere, Inside, Primal matter, «2», найбільш ефектними сценами представляються ті, де людина складається з оголених частин тіла кількох перформерів (тут їх кількість доходить до восьми чоловік).
У виставі «Великий приборкувач», звичайно, можна шукати якісь конкретні теми — співвідношення минулого і майбутнього, людина перед лицем глобальних відкриттів, народження, життя і вмирання і так далі, — але Папаіоанну працює з образами, а не темами. І «Великий приборкувач» — це набір живих картин, разючих по винахідливості. Темп вистави вкрай повільний, щільність подій невелика, деякі етюди повторюються багато разів, але це те, як Папаіоанну працює з часом, все зроблено свідомо: у другій третині постановки він раптово на короткий час збільшує щільність і динамічність подій, створюючи в деякому роді кульмінацію.
За весь спектакль не сказано жодного слова, а музична частина повністю складається з рефренів з аранжированного виконання «На прекрасному блакитному Дунаї» Штрауса. Як і завжди у Папаіоанну, це дивовижна з художньої глибині і продуманості робота одночасно і про базові питання людства, і про приватну рефлексію режисера. Чи варто згадувати, що 90 відсотків сценічного часу всі перформери виразно оголені, що дивним чином досі викликає деяке хвилювання у московської публіки і буквальні запитання: «Все добре, але роздягли їх навіщо?»Музична пауза і катастрофа
У цьому році на фестивалі показали три чітко музичних проекту — причому кожен з них має своє театральне вимір: російську прем'єру дитячої опери Жоржа Апергиса «Червона Шапочка», сценічну кантату Олексія Сисоєва та Віри Мартинов The Song of Songs і оперу Олексія Коханова і Марії Марченковой «Євангеліє» у постановці Василя Березіна.
Жорж Апергис, 71-річний французький інноватор і легенда сучасної академічної музики і музичного театру, написав партитуру «Червоної Шапочки» у 2005 році. У свою чергу, автор називає цей твір «музичним спектаклем», оскільки, за його задумом, виконавці повинні не просто грати музику, але і розповідати історію в ході вистави різними засобами фізичного і візуального театру.
У Росії проект показували в листопаді та грудні в Центрі імені Мейєрхольда, режисером вистави виступив Олексій Смирнов, перформерами — виконавці ансамблю «Студія нової музики». У якомусь сенсі це дійсно дитячий спектакль (і на російських показах було багато дітей), тому що музичний матеріал досить розріджене, в музиці Апергиса багато нарочитых повторів, текст повторюється. Режисер Смирнов зробив з «Червоної Шапочки» такий наївний російський театр, зведений до нарративности, — тут навіть є невелика сцена з елементами лялькового театру. В конвенціональному акторстві музикантів «Студії нової музики», правда, помітна деяка незручність, але, мабуть, саме така форма найбільш доречна для цієї вистави. Зате в ньому використовується зовсім недитячий реквізит зі світу дорожньої розмітки та ремонту. В цілому за рахунок складної музики «Червона Шапочка» здається відмінним вступним уроком в сучасне театральне мистецтво.
Опера «Євангеліє» — здається, єдиний проект в рамках NET, який відверто не вийшов. Прем'єра цієї вистави відбулася в Лютеранській церкві Святої Анни в Санкт-Петербурзі — тобто в приміщенні нетеатральном, але для такого опусу максимально підходяще.
В рамках фестивалю в Москві «Євангеліє» довелося адаптувати для цеху колишнього хлібозаводу, який Binary Biotheatre Березина орендує для своїх проектів. Це величезний простір, не розділене на зони; воно самим відсутністю властивостей як би пропонує себе під оригінальне освоєння — неконвенциональное зонування, використання по максимуму. Замість цього креативна команда в цьому цеху вибудувала пародію (без виразного іронічного посилу, втім) на театральний простір — ряди стільців для глядачів навпаки сценічного піднесення за величезним завісою. Опера просто загубилася в такому сценічному вирішенні: за спинами солістів була відеопроекція, яку ніхто з глядачів не бачив, не було чути нічого — по-перше, з-за розмірів приміщення, по-друге, через що працює теплової гармати (цех неопалювальний). У музикантів, розсаджених з боків і ззаду глядачів, були якісь підсилювачі звуку, але це не допомогло.
Єдиною художньою знахідкою стала дівчина-сурдоперекладач, транспонировавшая текст, який співали солісти, на мову жестів перед сценою протягом усього спектаклю. Сама її недоречність (жестова мова в опері) перетворила її присутність у художній жест.
Найважливішим з музичної частини (та й взагалі найпотужнішим з російських проектів фестивалю цього року) представляється сценічна кантата The Song of Songs, автором концепції і лібрето, а також режисером і художником якої виступила Віра Мартинов і музику до якої написав Олексій Сисоєв. На трьох текстах базується лібрето до цієї роботи: «Пісня пісень Соломона», листи Плінія Молодшого, а також щоденникові нотатки Віри Мартинов, в які вкраплені буквально, як сама Мартинов відзначала, п'ять фраз із щоденників Поліни Гришиній, що брала участь у виставі.
Влаштована робота наступним чином: півгодини перед початком на першому поверсі Нового простору Театру націй відбувається перформанс: під рівномірний тривожний шум на підлозі лежать солісти обличчям вниз з перекинутими пюпитрами поруч, як би символізуючи трапилася катастрофи. В одне з місць зі сходів сиплеться пісок. Основна частина відбувається на другому поверсі — там облаштовано звичайний глядацький зал з вузьким сценічним піднесенням, на яку сідають 14 солістів і два виконавця з айфонами. І наступний годину розгортається, власне, сценічна кантата за участю вокалу солістів (деякі з них також витягують звуки з палиць або дзвіночків) і перкусіоніста позаду глядачів.
Музика Сисоєва зроблена винахідливо, хоч і не так складно, як це зазвичай властиво для нього, — тут навіть зроблені спроби працювати з мелодіями. Музична композиція розгортається через плавний вхід в історію з перманентним зростанням і поруч кульмінацій після середини.
Це вистава, начисто позбавлений іронії і відсторонення: тут все буквально і настільки серйозно, наскільки можливо. Сама Мартинов в інтерв'ю зазначила, що це свого роду повернення до трагедії, до катастрофи. Творці розуміють психотерапевтичний потенціал кантати і згодні розглядати її і в цьому ключі. Люди, близькі до театрального світу, в курсі особистої трагедії Поліни Гришиній, виконуючої текст у виставі, і це, звичайно, тільки збільшує ту глибину, з якої SOS працює.
Цей перформанс — дуже важливий знак того, що сучасне театральне і перформативне мистецтво може працювати з категоріями піднесеного і серйозного, не укатываясь в модерністський пафос. Творці обіцяють показати другу редакцію вистави на початку березня наступного року — і це вже слід мати на увазі.Священні стендапи
Було в нинішній програмі NET ще два закордонних вистави, дуже схожих між собою, — Martin Luther Propagandapiece швейцарця Бориса Нікітіна і By heart португальської драматурга і актора Тьяго Родрігеса. І той і інший побудовані на тому, що єдиний перформер розповідає деякі речі, пересуваючись по сцені; це ніяк по-театральному не упаковано: в обох випадках чоловіки в звичайному одязі просто ходять і розповідають свою.
В спектаклях у перформерів є допоміжна група: у випадку з Борисом Нікітіним це хор (для московського показу був притягнутий хор театру «Школа драматичного мистецтва»), у випадку з Родрігесом — 10 глядачів із залу. Нарешті, обидві вистави звернені до мови і тексту й за базовим рахунку оповідають про одне й те ж — як відчути себе вільними.
Постановка Бориса Нікітіна являє собою майже те, що обіцяє назву, — театралізовану проповідь. Проповідь, до речі, зовсім не релігійну. Виконавець Мальті Шольц протягом години декламує мотиваційну мова про вибір і свободу, про прийняття рішень і ідеологію. Кілька разів його виступ перемежовується хором, який співає заїжджені запальні пісні на кшталт Hit the road, Jack. Спектакль викликає масу питань, головне з яких: а що він, власне, робить на фестивалі NET?
За формою подання та поведінки перформера очевидно, що у режисера все в порядку зі смаком, але більшу незручність викликає текст, виголошувану зі сцени, — він ніби вишколена з книжок по аутомотивации для шукаючих жінок 40+ і зводиться до того, що людству потрібно нарешті піднятися і його врятує любов. Зате, звичайно, абсолютно прекрасний хор ШДИ.
Тьяго Родрігес ж у своєму спектаклі звертається до тем пам'яті, запам'ятовування, збереження заборонених текстів та спадщини взагалі. Назва його вистави перекладається як «Напам'ять», і в рамках цього перформансу, власне, і відбувається виучування напам'ять одного короткого поетичного тексту. Після короткого передмови режисер просить спуститися на сцену 10 осіб, які володіють англійською (щоб розуміти його), але також говорять і на місцевому мовою, тому що в кожній країні Родрігес розучує вірш мовою цієї держави.
Глядачам московського показу належало вивчити 30-й сонет Шекспіра в перекладі Маршака; в той же час Родрігес, не знаючи російської, фонетично його вивчив. Глядачі на сцені не вчили вірш цілком — всі разом вони розучили перші чотири рядки, а решта десять Родрігес поділив по рядку на кожного. Паралельно він розповідав різні літературознавчі байки, а також історію про свою бабусю, яка в будинку престарілих на схилі років запоєм читала книжки, але потім раптом почала сліпнути і вирішила вивчити одну книгу напам'ять і попросила Родрігеса вибрати, яка це буде книга, — він приніс їй збірник шекспірівських сонетів. По-простому зворушливою історією конструюється вся лірична і навіть пассеистская інтонація вистави, звернена до книжкової культури в її конвенціональному вигляді. Це деяким чином заважає укласти «Напам'ять» в розряд сучасного театру і, відповідно, провокує питання про виправданість присутності цієї роботи на фестивалі NET.Квітуча складність
Крім видовищних і незрелищных вистав закордонної програми, пучка перформансів та музичних прем'єр, NET в цьому році добре підготував і міждисциплінарну програму. Так, наприклад, в рамках фестивалю відкрилася трьохканальна відеоінсталяція Бориса Юхананова і художниці Олени Коптяевой з музикою Дмитра Курляндського. На видеобоксах, розставлених у фойє Электротеатра, три європейських театральних режисера вищої ліги (Ромео Кастеллуччі, Теодорос Терзопулос і Хайнер Геббельс) малюють водою на спеціальній кам'яній дошці необов'язкові символи і, поки написи висихають, розповідають про своє бачення театрального процесу і про власний спосіб роботи.
Недалеко від форми інсталяції та постановка групи «Театр взаємних дій» — «Музей інопланетного вторгнення». Вистава збудований як екскурсія по залах Боярських палат, в ході якої глядачі дізнаються про нібито сталося в 80-х роках аварії НЛО в російській провінції.
Крім того, в рамках NET вперше пройшла офф-програма в Санкт-Петербурзі — вона була цілком присвячена феномену горизонтального театру, ініціатором виступив режисер Борис Павлович. З 2 по 21 грудня в Петербурзі показали 12 вистав, театральних проектів, що мають відношення до соціального театру, документального та інших підвидів. Проходили вистави з участю людей з особливостями психічного спектру, з бездомними людьми.
Нарешті, в цьому році фестиваль зробив кінопрограму, показавши три вистави берлінського «Фольксбюне», від керівництва якими в цьому році відлучили режисера Франка Касторфа, який керував театром 25 років і зробив його одним з форпостів сучасної європейської сцени. Вистави, що були у репертуарі при Касторфе, з його відходом були зняті з репертуару. В рамках NET в кінотеатрах показували три з них: «Змішані особи, знайомі почуття» Крістофа Марталера, «Пфуш» Герберта Фритча (він особисто прилетів на показ і розповідав цікаві байки про роботу в «Фольксбюне») і фрагменти «Фауста» Касторфа.
Генеральний висновок, який можна вивести з програми NET в цьому році, приблизно такий: сучасний театр хороший насамперед своєю різноманітністю. Він не починається з вішалки і не кінчається сценічним простором, розтікаючись до музеїв/галерей, колишніх заводів і вулиць. Він міждисциплінарний і горизонтальний, він може цілком складатися з музики або з тиші — і продовжувати називатися театром. Така універсальність і ускользание від визначень, звичайно, як раз те, що потрібно сучасному театру в Росії (точніше, його рідкісним зародкам), щоб зберегтися і зрости.
Віктор Вілісов
Категория: Культура
«Все добре, але роздягли їх навіщо?»